Trêve de plaisanterie, qui est Roberto Bellarosa ? La question est légitime pour toute personne possédant du bon gout et une télécommande permettant d’aller au delà de la une.

Roberto est un jeune post ado faisant une carrière fulgurante après avoir été découvert en 2012 dans un télé (lisez Twitter) crochet belge diffusé le lendemain du jour des poubelles blanches dans la commune de Schaerbeek,siège de la RTBF, chaine responsable de ce programme. Vous situez?

Comme la majorité des artistes issus de la télé culture, le garçon s’est illustré dans un album qui a rencontré un énorme succès commercial avant d’être défendu sur les meilleures scènes Vivacité, dans une tournée internationale de Wallonnie-Bruxelles. Étape importante dans sa carrière lui permettant de se perfectionner dans le playback, art dans lequel Roro (oui je me permets) excelle.

Fort de ses multiples talents et profitant d’être tombé dans l’année du choix francophone (s’il y a bien une chose pour laquelle on arrive à s’entendre dans ce pays c’est bien ça), Roberto, issu de l’immigration italienne, s’est vu récompensé d’une sélection pour l’Eurovision.

Dans ce climat tendu, je me dois de faire une nouvelle précision. Quand je dis « issu de l’immigration italienne », ce n’est absolument pas du racisme. J’ai moi même un ami pizzaiolo qui regardait la météo sur RTL. Non et puis envoyer Roberto au charbon c’est bien, après tout c’est pour ça qu’on les a fait venir hein, pour faire un boulot qu’aucun Belge ne voulait faire. Alors pourquoi il y échapperait ?

Non, mais voilà, je n’ai rien contre ce petit et puis à force d’écouter je dois le confesser j’aime bien sa chanson. Alors oui ce n’est pas de la bonne musique, mais soyons patriotes bon sang. Unissons-nous. Unis, tous derrière notre bannière tricolore tel un agglomérat de syndiqués une veille de jour férié. Chantons à tue-tête. Il faut que depuis Malmö le petit Roro se sente porté par un seul et même peuple. Allez tous en coeur : « Roro twelves puntjes » « Roro twelves puntjes »

J’ai donc eu le déplaisir de saigner sur l’incroyable mauvais dernier album de Phoenix et ses pléthores de mauvais arrangements « asiatisants ». Ben oui le marché du pays du soleil levant est lucratif.

J’ai pu me palucher, oui oui même sans la main droite, sur « Get Lucky » le nouveau single de Daft Punk. Bon je vais essayer d’avoir plus de discernement qu’une majorité de tweets que j’ai pu voir. Oui ce morceau est efficace, oui c’est un tube, non mettre dix secondes de voix robotique n’en fait pas un morceau de Daft Punk et non, sampler des anciennes tracks de son propre répertoire n’est pas un coup de génie. Please !

Mes yeux allant tout aussi bien j’ai pu voir le dernier clip d’Indochine. Vous savez tout le bien que je pense de leur dernier album, si vous avez manqué ça vous trouverez ici une piqure de rappel. C’est donc le son coupé que j’ai pu apprécier la violente poésie des images de l’auto proclamé génie Xavier Dolan. J’en profite donc pour remettre toutes mes amitiés aux personnes dénonçant la violence du clip et proposant comme seule solution, l’interdiction du clip ou encore des amendes pour ceux qui oseraient le diffuser, oh oui de l’argent par millier. Un jour vous comprendrez que pour se battre contre quelque chose il est inutile de tirer sur le messager.

Malheureusement concernant les oeillères masquant votre vision délicate et chaste, personne ne peux rien faire pour vous.

Enfin voilà, tout ça pour vous dire que je suis de retour et en forme. Qui plus est cette semaine c’est l’Eurovision. Je ne sais pas trop quel pays soutenir, mais la chanson grecque dé(s)pote à mort.

Non je vais être honnête ce post est la pour raconter ma vie, devenir un blog perso, je vais d’ailleurs le renommer « Tom Pregna », afin de coller à la catégorie dans laquelle on m’a refourgué chez le Vif et gagner mon premier Blog Awards !

Musicalement vôtre

Derrière cette pochette et ce titre lumineux incitant à la fête, il y a un concept qui peut sembler un peu loufoque, voire inutile, mais qui prend tout son sens dès la première écoute. En effet, les chansons sont reparties entre différents codes couleurs le bleu évoquant le calme, la sagesse et la liberté « Today » chanson d’ouverture en est l’exemple type ; le rouge exprimant plus la chaleur, la vie, la passion et le désir « Olivia », chanson hommage à l’actrice que vous avez vue dansez au bras de Travolta en est le symbole ; reste la couleur vert synonyme d’instabilité, de changement, d’évolution « Sweet Sensation » chanson plus sombre, plus tendue vous fera comprendre de quoi je parle.

Vous l’aurez compris, cet album est varié, et derrière sa pop moderne, il propose un ensemble de mélodies astucieuses, efficaces, qui touchent aussi précisément qu’une estoque en plein coeur. Mais ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit, « Colore » n’est pas l’album de l’année, mais n’en est certainement pas moins percutant et puis bon, c’est du made in Belgium alors quand le terroir est de qualité ce serait vraiment con de s’en priver.

Deuxièmement, un nouvel album de Saez c’est surtout à chaque fois une nouvelle découverte car oui l’artiste nous livre chaque fois quelque chose de différent, J’accuse était un magnifique pamphlet brut et énervé sur une société en pleine mouvance, le triple Messina nous emmenait sur les routes d’un voyage presque initiatique à la rencontre de personnages atypiques, d’histoires, d’horizons, Miami de son coté est un album nous transportant sous le soleil et la drogue où les références ne cessent de sonner à la porte.

Le moins qu’on puisse dire c’est que « Miami » est un ensemble de références. Saez s’amuse et avec sa plume pour seule arme, il parsème ça et là des clins d’oeil littéraires, musicaux, ou encore cinématographiques.

Miami débute avec « Pour y voir » parfaite transition avec l’acoustique du dernier triple et parfaite continuité de « J’accuse« , tour de force musicale pour mettre en parenthèse « Messina » et continuer le triptyque (annoncé) commencé par « J’accuse« . Tout au long de son nouveau disque, Saez nous emmène dans les différentes étapes que nous font traverser les drogues : la curiosité, la prise, et la chute. De « Pour y voir » à « Miami« , de « Le roi » à « Cadillac noire » et finalement de « Rottweiller » à « Que sont-elles devenues » magnifique blues concluant l’album. J’hallucine !

En essayant d’être le plus objectif possible, je dois avouer que cet album avec ses différents degrés de lecture est vraiment très intéressant et relativement bien construit dans sa progression, dans la manière dont les textes sont abordés et surtout dans son côté Sex Drugs & Rock and roll. Énergique, rock, taillé pour la scène, j’émettrais un petit bémol pour « No more« , racontant une rédemption, un déni en musique, encore une fois Saez nous prouve avec ce titre que l’anglais n’est vraiment pas fait pour lui.

En bref encore un tout bon album du français pour qui prend la peine de l’écouter et de le comprendre.

Avec la cover que vous avez apercu juste à gauche, vous avez deviné que je suis là pour vous parler du deuxième album de « Hurts ». Le groupe originaire de Manchester nous avait réjouis il y a de ça 2 ans avec Happiness, premier disque prometteur.

Vous avez l’habitude de mon honnêteté et vu qu’il n’y a aucune raison que ça change, autant vous le dire, à la première écoute j’ai trouvé que « Exile » ne valait rien du tout, ou du moins pas grand-chose et j’étais reparti déçu de cette expérience. Ne voulant pas faire de jugement attife comme beaucoup de quotidiens/magazine j’ai voulu prendre le temps de réécouter cet album.

C’est donc après plusieurs écoutes minutieuses que j’ai dû me résoudre à adopter « Exil » et finalement presque ne plus le quitter. Derrière une pop gonflée aux synthétiseurs de Adam Anderson et aux beats efficaces, invitant n’importe quel D.J. au remix,  il y a des textes sombres (et moins déprimants que ceux proposés sur « Happiness »), livrés parfaitement par la voix mélodieuse et chaude de Théo Hutchcraft.

Les deux mancuniens nous offres une très chouette deuxième galette aux sons se référants à d’illustres groupes. Par exemple « Miracle » premier single à une sonorité très « Coldplayienne » quant à des morceaux comme « The Road » « Cupid » ou « Exile » chanson éponyme, on jurerait entendre du bon Depeche Mode.

C’est avec « Help », une ballade installant sa puissance crescendo que se clôture l’album traditionnel (une version deluxe agrémentée de 3 titres supplémentaires est disponible), pour ce morceau le duo s’est offert l’accompagnement magistral de Sir Elton John et son piano. Que rêver de plus qu’un morceau d’une telle envergure pour clôturer un album ?

Finalement apprendre à apprivoiser « Exile » a été salvateur. Vous pouvez le gagner facilement en faisant les quelques petites étapes

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3) vous n’êtes pas obligé mais vous pouvez laisser un commentaire parce que j’aime bien les lire.

Un gagnant sera tiré au sort. Le concours finit mardi 26 mars.

Ce que je peux vous dire c’est que dès « Welcome To My World », plage d’ouverture, où l’on entre dans l’univers du nouvel album à coup de basse bien grasse, de beat bien lourd et de claviers s’éteignant petit à petit, jusqu’à « Goodbye » et son rythme tribal on ne s’ennuie pas.

Delta Machine est résolument blues, mais du blues à la sauce du trio Gahan, Gore et Fletcher plus électronique, plus envolé, plus synthétique. Si la prestation au Letterman Show laissait désiré au niveau vocal, Ben Hillier à réussi à sauver les meubles de manière admirable sur l’album.

Mais le meilleur moyen d’en parler est d’écouter l’album en streaming sur l’iTunes Store et c’est par ici que ça se passe.

Enjoy the Music

Ce qu’on peut dire c’est que Woodkid a tout compris, « The Golden Age » arrive à point dans une industrie musicale essayant de se renouveler un peu chaque jour (lisez décennies pour ne pas dire siècle). L’artiste a compris que le visuel était une des clefs, mais qu’elle n’allait pas sans une qualité d’écriture et musicale. Les trois réunis vous avez tout gagné.

Mais qu’est-ce qui fait qu’on accroche indéniablement au premier album du français ? Je ne sais pas s’il y a une raison bien particulière, mais ce qui est certain c’est que la sincère fragilité vocale de Yoann Lemoine nous emmène dans un univers hors du temps. Le piano guidant l’orchestre majestueux qui l’accompagne, les cuivres virevoltants, la densité dans les textes, cette profondeur sans concession dans les arrangements, sont autant d’éléments qui dressent « The Golden Age » sur un trône. Cet album nous tire les larmes, nous file la chair de poule, nous donne l’envie de danser, de sourire, de chanter et de voler. Je suis impatient de voir qui arrivera à faire mieux cette année.

Vous l’aurez compris, il n’y a pas de mot assez fort pour décrire ce disque. Ce qui est évident c’est que ce premier exercice est réussi de manière magistrale et mérite qu’on s’y arrête encore et encore et encore.

Alors dans ce questionnement dominical, autant vous dire que j’ai fortement apprécié le deuxième album de Melanie De Biasio. « No Deal » est déboussolant tant dans la musique des génies (Mohy, Paulus, Pallemaerts) accompagnant l’incroyable voix la jazzgirl belge que dans l’ambiance que ce doux mélange procure.

En Effet, No Deal n’est pas tout à fait un album de jazz, ni de blues et n’est pas vraiment psychédélique, mais il est un peu tout ça à la fois, comme un melting pot à la belge, où se côtoient ombres et lumières dans une atmosphère épurée, impétueuse, mais totalement prenante. D’entrée de jeu avec « I Feel You » la chanteuse originaire de Charleroi nous cueille avec une voix digne d’un générique d’agent secret, allant jusqu’à faire taire ses musiciens l’espace de quelques instants : génial !

De plus, tout au long de l’album les arrangements parfois minimalistes ne vont cesser de sublimer le chant et vice versa. Les deux corps ne vont cesser de se renvoyer mélodieusement la partition dans une discussion exquise afin de conférer au disque cette impalpable ambiance.

Que vous aimiez le jazz, le blues ou non, vous ne pouvez rester indifférent à « No Deal » une pépite délicate de bonheur.

Les derniers albums, datant des années nonante, m’avaient laissé un peu dubitatif. Quant à un retour de Bowie, les rumeurs de graves maladies me parsemait encore plus de doute. Dans ce climat l’annonce soudaine d’un nouvel album bien qu’excitant ne me ravissait pas des masses. Cette peur de ne pas arriver à épancher, une nouvelle fois, ma soif de bons sons.

Il faut dire que l’artiste nous a livré l’annonce de son prochain album avec un amuse-bouche de choix : « Where are we now », titre prometteur suintait d’une voix mythique ses souvenirs berlinois. Mais c’est avec la boule au ventre qu’il fallait que je dévore le reste de l’album, avec cette crainte qu’il soit malheureusement indigeste.

Dès le second clip « The Stars (are out tonight) », magnifiquement réalisé, je reprenais espoir, la galette serait-elle bonne ? J’y croyais en tout cas ce nouveau morceau se laissant déguster avec délectation.

Et nous y voilà – dix ans d’attente plus tard – récompensés par un service 17 pièces d’une cuisine britannique généreuse et franchement revigorante. Finesse, mélancolie, douceur, rage et j’en passe sont tous les ingrédients rassemblés pour un retour réussi.

Bowie signe avec « The Next Day » un come back gagnant. Le bonheur impalpable que l’on goute en écoutant la galette nous remplit d’une force exquise. Il ne reste plus qu’à espérer que le grand chef ne se déplace pas trop loin de chez nous.